Chi era Sarah Vaughan?
Soprannominata “Sassy” o “The Divine One” per la sua straordinaria vocalità che sfiorava il trascendente, la Vaughan ha rappresentato il punto d’incontro perfetto tra il rigore formale della musica colta e la libertà dell’improvvisazione.
Mentre le sue contemporanee, come Billie Holiday o Ella Fitzgerald, dominavano rispettivamente per intensità emotiva e perfezione ritmica dello scat, lei si imponeva come una figura unica: un’artista che usava la voce con la complessità di un solista d’orchestra e la maestosità di un soprano operistico.
Nata a Newark, nel New Jersey, nel 1924, Sarah non iniziò il suo percorso come cantante, ma come pianista e organista nelle funzioni religiose della Mount Zion Baptist Church, una formazione accademica e liturgica che fu fondamentale: a differenza di molti interpreti del suo tempo, lei possedeva una comprensione profonda dell’armonia e della struttura musicale.
La svolta avvenne nel 1942, sul leggendario palco dell’Apollo Theater di Harlem, vincendo il celebre concorso per dilettanti, attirò l’attenzione di Billy Eckstine, che la segnalò a Earl Hines.
Fu all’interno della big band di Hines, e successivamente in quella di Eckstine, che la giovane Sarah si trovò immersa nella rivoluzione del bebop e, al suo fianco suonavano giganti come Charlie Parker e Dizzy Gillespie.
In questo ambiente d’avanguardia, la Vaughan imparò a pensare come un sassofonista o un trombettista, assimilando i salti intervallari audaci e le sostituzioni armoniche che avrebbero reso il suo stile inconfondibile.
Ciò che la rendeva “divina” era uno strumento vocale che sembrava sfidare le leggi della fisiologia: dotata di un’estensione che copriva quasi tre ottave, la sua voce possedeva una versatilità straordinaria. Poteva scendere in un registro grave, profondo e scuro, simile a quello di un contralto operistico, per poi risalire con agilità verso acuti cristallini da soprano.
Tuttavia, la sua maestria non risiedeva solo nell’estensione, ma nel controllo timbrico.
La Vaughan era capace di manipolare il vibrato con una precisione chirurgica: lo iniziava in modo stretto e veloce per poi lasciarlo espandere in una risonanza calda e avvolgente alla fine della frase.
La sua capacità di eseguire i glissandi – scivolando da una nota all’altra con una fluidità vellutata – divenne il suo marchio di fabbrica, permettendole di “scolpire” l’aria stessa intorno alle melodie.
Il suo percorso discografico è stato caratterizzato dal dualismo: negli anni ’50, sotto contratto con la Mercury Records e la sua sussidiaria jazz EmArcy, la cantante navigò abilmente tra due mondi.
Da un lato, incideva album pop orchestrali che scalavano le classifiche, come Broken Hearted Melody, portando il suo timbro al grande pubblico; dall’altro, produceva capolavori jazz puristi, come il celebre album Sarah Vaughan (1954) con Clifford Brown alla tromba, un disco che rimane tutt’oggi una pietra miliare per ogni studente di canto jazz.
Nonostante le pressioni dell’industria per trasformarla in una cantante pop convenzionale, la Vaughan non perse mai la sua identità di jazzista, anche nei brani più commerciali, inseriva sottili variazioni armoniche e ritmiche che tradivano la sua natura di improvvisatrice.
Con l’avanzare degli anni, la sua voce, lungi dal deteriorarsi, acquisì una nuova profondità: negli anni ’70 e ’80, le sue registrazioni per l’etichetta Pablo di Norman Granz mostrano una maturità espressiva senza precedenti.
Album come How Long Has This Been Going On? o i tributi ai Beatles e a Duke Ellington rivelano una donna al culmine delle proprie capacità, capace di trasformare ogni standard in un’opera d’arte complessa e stratificata.
Memorabile resta l’interpretazione di Send in the Clowns di Stephen Sondheim. Attraverso questa canzone, dimostrò di essere non solo una tecnica sublime, ma una drammaturga della voce, capace di interpretare il testo con un’intensità narrativa che non aveva nulla da invidiare alle grandi dive del teatro di Broadway.
Sarah Vaughan si è spenta nel 1990, lasciando un grande vuoto.
Il suo contributo non risiede solo nei dischi che ci ha lasciato, ma nel modo in cui ha legittimato la voce jazz come strumento solistico di pari dignità rispetto agli strumenti a fiato o al pianoforte.
La sua eleganza mai ostentata, scaturiva da una padronanza tecnica talmente assoluta da apparire naturale.
È stata la “First Lady” di una musica che richiede intelligenza, cuore e disciplina ferrea, in un mondo musicale che spesso sacrifica la tecnica sull’altare dell’immediatezza.